Séance 7

JEUDI 3 JUIN 2021

14h-17h, en visio

https://zoom.us/j/91927612105?pwd=em9MVjNnSHQ4NTQwQWVWY01OdzZsUT09

ID de réunion : 919 2761 2105
Code secret : 747773

Hollywood goes to Japan (1955-1964) :
quel(le)s imag(inair)es pour l’ennemi devenu allié ?

Ma Geisha (Jack Cardiff, 1962)

L’occupation américaine officiellement achevée en septembre 1952, le Japon retrouve une place dans la production hollywoodienne qui n’est plus celle de l’adversaire qu’il a occupée durant la Guerre du Pacifique. D’abord base arrière dans la lutte contre le communisme durant la Guerre de Corée (1950-1953), le pays entame en 1955 une période de haute croissance économique (Kodo keizai seicho) tandis que son cinéma connaît un second âge d’or, battant des records de production et de fréquentation. Jusqu’à la tenue des Jeux Olympiques d’été de Tokyo en 1964, année où les Japonais sont à nouveau autorisés à voyager à l’étranger, les major companies américaines initient plusieurs tournages sur place de films dont nous nous proposons d’identifier certaines constantes et variations. Valorisation par le format large des sites historiques et des habituations traditionnelles, récits mouvementés dans des genres variés passant en revue des coutumes et pratiques culturelles à la fois sibyllines et fascinantes, fantasmes associés à la figure ambivalente de la geisha à laquelle une poignée d’actrices récurrentes prêtent leurs traits se retrouvent ainsi systématiquement convoqués dans le portrait d’un pays « sous contrôle », avant que la bulle spéculative des années 1985-1991 ne remette un temps sur le devant de la scène un Japon cette fois plus « menaçant » pour l’Empire américain.

Simon Daniellou est maître de conférences à l’université Rennes 2. Auteur d’une thèse sur la représentation des arts scéniques dans le cinéma japonais et de divers articles parus dans CinémActionImages secondesMise au pointPositifDébordements ou The Wild Bunch, il a notamment codirigé Les Variations Hong Sang-soo (2 vol., De l’incidence éditeur, 2018-2020).

The Teahouse of the August Moon (1956)

Filmographie indicative :

La Maison de bambou (House of Bamboo, Samuel Fuller, 1955)

La Petite Maison de thé (The Teahouse of the August Moon, Daniel Mann, 1956)

Espionnage à Tokyo (Stopover Tokyo, Richard L. Breen, 1957)

Escapade au Japon (Escapade in Japan, Arthur Lubin, 1957)

Sayonara (Joshua Logan, 1958)

Le Barbare et la geisha (The Barbarian and the Geisha, John Huston, 1958)

Le Kid en kimono (The Geisha Boy, Frank Tashlin, 1958) 

Opération Geisha (Cry for Happy, George Marshall, 1961)

Ma Geisha (My Geisha, Jack Cardiff, 1962)

Citoyen de nulle part (A Girl Named Tamiko, John Sturges, 1962)

Rien ne sert de courir (Walk Don’t Run, Charles Walters, 1966, tourné à partir de 1964)

Séance 6

JEUDI 8 AVRIL 2021

15h – 18h en visio

The Cheat (1915) vs. Forfaiture (1937) : deux approches cinématographiques distinctes d’un « péril jaune » fantasmé

En 1915, Cecil B. DeMille réalise Forfaiture (The Cheat), un film mettant en scène Fanny Ward dans le rôle d’une épouse de la haute bourgeoisie obligée de céder aux avances d’un riche collectionneur japonais/birman, interprété par Sessue Hayakawa, pour éponger ses dettes contractées en spéculant. Le film fait sensation, notamment la scène où Hayakawa marque la chair de Fanny Ward au fer rouge. En 1937, Marcel L’Herbier réalise sa propre version de Forfaiture, avec Lise Delamare dans le rôle de la femme abusée. L’acteur japonais y reprend le rôle de l’Oriental sadique qui a fait sa renommée internationale plus de vingt ans plus tôt, même si le rôle devient, à cette occasion, celui d’un prince d’un obscur royaume asiatique.

Si les films partagent un même argument narratif, ils témoignent néanmoins de deux approches distinctes du « péril jaune », cette peur indicible éprouvée envers les peuples asiatiques que certains « intellectuels » occidentaux théorisent dès la fin du XIXe siècle. En remettant les deux films dans leur contexte de production et de réception, je tenterai de mettre au jour cette distinction ; celle d’une approche essentiellement racialiste concernant le film américain tout d’abord, à une époque où l’immigration et l’assimilation des personnes venues d’Asie suscitent les inquiétudes des Américains déjà installés ; celle d’une approche du fait colonial concernant le film français ensuite, davantage concentrée sur une mission « civilisatrice » de l’Occident en Extrême-Orient, au moment où les intérêts occidentaux sont justement menacés par les velléités d’un empire japonais qui entame une conquête des territoires environnants. Que « l’ennemi asiatique » menace de l’intérieur (The Cheat) ou qu’il opère depuis des contrées lointaines (Forfaiture), le cinéma n’oublie pas de rendre cette menace tout à la fois effrayante et séduisante, une ambiguïté que je soulignerai par une analyse esthétique conjointe des deux films.

David Auvray est doctorant à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 (sous la direction de Kristian Feigelson) et membre de l’Institut de Recherche sur le Cinéma et l’Audiovisuel (IRCAV). Chargé de cours à l’université Paris 8 Vincennes – Saint-Denis et à l’université Paris 3, ses recherches de thèse explorent les singularités du jeu de l’acteur Sessue Hayakawa. S’inscrivant largement dans la sillage des études actorales, cette étude entend néanmoins soulever la problématique de la représentation du corps asiatique dans un corpus filmique largement occidental, dans une perspective tout à la fois culturelle et socio-politique mais aussi en révélant ses potentialités proprement figurales. David Auvray a publié l’article « Les industries culturelles japonaises au service d’une stratégie transmédiatique : le cas d’AKB48 » dans le numéro de la revue Théorème n°33 (Les Industries des images en Asie de l’Est. Entre mondialisation et identités locales, Chine – Hong Kong – Corée – Japon -Taïwan, à paraître).

Séance 5

JEUDI 11 MARS 2021

15h-18h, en visio

Représenter l’Autre « interne » :

les films « sur les minorités ethniques » en Chine

Depuis les années 1950, pour soutenir les campagnes d’unification nationale menées par les Communistes nouvellement installés au pouvoir, les « minorités ethniques » sont devenues un thème récurrent dans le cinéma chinois. Bien que marginaux dans l’industrie cinématographique chinoise et ne représentant que 6% environ de la production nationale, les films sur les « minorités ethniques » constituent des œuvres essentielles pour comprendre comment s’est construit un imaginaire de « l’Autre interne ». On s’intéressera en particulier aux œuvres produites entre les années 1950 et 1990, qui forge un regard folklorisant et exoticisant sur les « minorités ethniques » pour le spectateur issu de la majorité Han. On explorera certaines techniques filmiques qui instaurent la distance nécessaire pour souligner l’alterité, ainsi que la place du chant et de la danse dans le processus de folklorisation des minorités.

Illustration : image tirée du film La sœur Liu (Ch. Liu sanjie) de SU Li, 1960, Studio de Changchun

Vanessa Frangville est professeure en études chinoises à l’Université libre de Bruxelles (ULB), et directrice du centre de recherche sur l’Asie de l’est à l’ULB, EASt. Ses recherches portent sur les rapports entre politique culturelle et production audiovisuelle en République populaire de Chine. Elle a publié de nombreux articles sur le cinéma en lien avec les ethnies « minoritaires » ou « non-Han », notamment sur le cinéma Tibétain. Ses projets actuels portent sur le cinéma ouïghour, et les productions artistiques, en particulier audiovisuelles, qui témoignent de la crise ouïghoure depuis 2016.

Séance 4

JEUDI 11 FEVRIER 2021

14h30-17h30, en visio

« Pour un nouveau regard ? »

Matrices coloniale, polonaise et soviétique des cinémas indépendants de l’ancienne Afrique coloniale

Cette séance à trois voix revient sur la vaste question de la fondation des cinémas indépendants dans les pays d’Afrique anciennement colonisés par la France, et particulièrement le Maroc, en cherchant à entrer dans la fabrique de ces nouveaux regards, entre quête d’authenticité et de vérité, et soupçon d’exotisme intérieur ou d’auto-folklorisme. Les cinéastes pionniers se sont en effet nourris (plus qu’ils ne l’ont rejeté) du regard réifiant et pénétrant du colon. Certains cependant se sont formés à d’autres écoles que celles de l’ancien pays colonisateur : dès lors, quelle spécificité ces détours par la Pologne populaire et l’Union Soviétique ont-ils apporté (ou pas) à leur « nouveau regard » (A. Bouanani) ?

Les portes des Quatre sources (Ahmed Bouanani, Maroc, 1977) 

Marie Pierre-Bouthier (ATER à Paul-Valéry Montpellier 3) :

Du cinéma colonial au cinéma marocain : entre quête d’authenticité et (auto-) folklorisme – Interprétations croisées d’Ahmed Bouanani et André Zwobada

Le cinéma colonial n’a pas fonctionné seulement comme un repoussoir pour le jeune cinéma marocain après l’Indépendance (1956). Bien au contraire, le « documentaire » colonial (tout comme la recherche et la littérature coloniales) a inauguré un (maigre) inventaire des traditions et des régions marocaines, repris fidèlement, jusque dans sa part propagandiste et folkloriste, par les premières productions « documentaires » post-coloniales. Même les plus féroces contempteurs du cinéma colonial, et les plus ardents rénovateurs du cinéma national, tel Ahmed Bouanani (1938-2011), ont trouvé des sources d’inspiration dans les recherches thématiques et formelles de certaines fictions coloniales : on se penchera ici plus particulièrement sur l’intérêt que ce poète-cinéaste a porté à deux films d’André Zwobada, La Septième porte (1947) et Les Noces de sable (1948).

La Septième porte (André Zwobada, France, 1947).

Gabrielle Chomentowski (CNRS) : 

L’Afrique, la jungle et les tambours (1976) de Souleiman El Noor : regards soviétiques sur l’Afrique par la caméra d’un cinéaste soudanais.

Autour du film de diplôme du Soudanais Souleiman El Noor L’Afrique, la jungle et les tambours (1976), alors étudiant à l’Institut du cinéma de Moscou (VGIK), nous reviendrons sur le contexte politique et culturel qui a permis cette coopération cinématographique entre l’Union soviétique et les pays d’Afrique dans les années 1960 et 1970 puis nous examinerons comment le réalisateur joue avec la représentation exotique que les Soviétiques pouvaient avoir de l’Afrique. 

Gabrielle Chomentowski est chargée de recherche CNRS au Centre d’histoire sociale des mondes contemporains (CHS) depuis octobre 2019. Ses travaux de recherches se consacrent d’une part à l’histoire sociale du cinéma soviétique des années 1920 et 1930 et d’autre part aux circulations cinématographiques entre l’Union soviétique et l’Afrique dans la seconde moitié du XXe siècle. Parmi ses publications, citons Filmer l’Orient: politique des nationalités et cinéma en URSS (1917-1938), Ed. Pétra, 2016 ou encore Filmmakers from Africa and Middle East trained at VGIK during the Cold War”, Studies in Russian and Soviet Cinema, vol 13, issue 3, pp. 189-198.

Couverture de la revue soviétique Iskusstvo Kino (L’art du cinéma) d’août 1960

Léa Morin :

La Pologne pour devenir cinéaste marocain : expérimentations artistiques, luttes politiques, tricontinentale et cinéma à l’Ecole de Lodz dans les années 1960 et 1970

Dans les années 1960/1970, les jeunes cinéastes marocains étudiants à l’École de cinéma de Łódź s’interrogent, avec leurs camarades venus du monde entier (et notamment d’Asie, d’Afrique et d’Amérique Latine) sur un monde, et un cinéma, à venir. Quel cinéma national veulent-ils pour leurs pays récemment indépendants ? Comment vont-ils affronter les réalités sociales et politiques de leurs pays ? En Pologne, ils vivent ensemble des années de militantisme politique et de lutte en exil, d’apprentissage de la langue et de la culture polonaise, de combats collectifs en solidarité aux peuples opprimés, d’accès aux cinématographies du monde entier, de découverte et d’exploration de nouveaux milieux artistiques, notamment du free-jazz, de l’art conceptuel et du cinéma politique radical, d’amitiés, d’amours, d’études mais aussi de rencontres avec les marges et les réalités politiques et sociales de la Pologne communiste.

Curatrice et chercheuse indépendante, Léa Morin est Co-fondatrice de l’Observatoire (Art et Recherche), Casablanca, elle était auparavant programmatrice et Directrice de la Cinémathèque de Tanger. Engagée dans des projets (édition, expositions, restaurations) qui associent chercheurs, artistes et praticiens, sa recherche est une tentative de contribuer à une meilleure connaissance des modernités artistiques, et notamment cinématographiques, rendues invisibles par les narrations dominantes. Elle s’intéresse particulièrement aux circulations d’idées, de formes, d’esthétiques et de luttes politiques et artistiques à la période des indépendances (années 1960 et 1970) et aux enjeux de la décolonisation culturelle. Elle a notamment initié et coordonné la restauration du film DE QUELQUES ÉVÉNEMENTS SANS SIGNIFICATIONS (1974, Maroc) de Mostafa Derkaoui avec la Filmoteca de Catalunya.

Karim Idriss, Abdelkader Lagtaa et Aziz Sayed au Club africain de Lodz pour un meeting de soutien au peuple vietnamien, organisé par l’UNEM (Union nationale des étudiants du Maroc, section de Pologne), mai 1967, Archives de Abdelkrim Derkaoui

Séance 3

Non alignésChamp contrechamp Dakar/Bombay

Jeudi 14 janvier 

ANNULE ! Séance reportée

Non alignés, Aurélien Froment

Non alignés de l’artiste Aurélien Froment est une série de vidéos tournées à Dakar auprès de passionnés de cinéma populaire indien. Les films de Froment questionnent les relations, les représentations et les circulations entre des lieux, des images, des films, des imaginaires aussi dans une dynamique de champ-contrechamp.

Cette séance d’atelier sera l’occasion de présenter la conception et la mise en forme numérique d’une recherche menée autour de ces œuvres, un nouveau jeu de « carte de l’analyse » (qui sera prochainement accessible sur la plateforme lescartesdelanalyse.net) 

Amandine D’Azevedo est MCF à l’université Paul-Valéry-Montpellier 3.

Térésa Faucon est MCF HDR à la Sorbonne Nouvelle – Paris 3.

Séance 2

Pièces rapportées. Josef von Sternberg, «exote » et « primitiviste » ?

3 décembre – de 15h à 18h

En visioconférence

Questions ? exotisme18@gmail.com

En parcourant les films de Sternberg, une évidence saute aux yeux : après s’être concentrés sur des récits américains, les scénarios des films prennent le large et vont du désert de Morocco à l’île d’Anatahan en passant par le casino de Shanghai Gesture.

En contre-champs de ces images, preuves d’un intérêt pour les pays étrangers et exotiques, il convient de rapporter, comme en contre-champs, d’autres pièces à conviction. Les voyages, les peintures et les objets collectionnés, les textes signés par Sternberg ou encore les photographies de plateau sont autant de pièces rapportées aux films qui nous permettent de qualifier de nouveau le regard que Sternberg porte sur les pays reconstruits en studio.

Est-ce le regard d’un « exote » ? Celui d’un « primitiviste » ?

Théo Esparon est doctorant à l’Université Paris-Nanterre et prépare une thèse intitulée « les films et la collection de Josef von Sternberg : le goût et le style ». Il a publié des articles dans des catalogues d’exposition et dans la revue Trafic et prépare un livre sur la fête foraine au cinéma.

Outre ses activités de recherche, il est programmateur de films et fait partie du comité de sélection du festival Entrevues de Belfort.

Programme rentrée 2020-2021

De 15h à 18h – Salle du Conseil

Maison de la Recherche

4, rue des Irlandais 75005 PARIS

15 octobre 

Claire Allouche (Paris 8)

L’auto-exotisation, écho aux spectres des cinémas nationaux ?

3 décembre 

 Théo Esparon (Paris Nanterre)

Pièces rapportées. Josef von Sternberg, « exote » et « primitiviste » ?

14 janvier 

Amandine D’Azevedo  (Paul-Valéry) et Térésa Faucon (Sorbonne Nouvelle) 

Non alignés. Champ contrechamp Dakar-Bombay

11 février 

Marie Pierre-Bouthier (Paul-Valéry) 

Regard colonial et nouveau cinéma marocain : entre quête d’authenticité et (auto-) folklorisme – les cas d’Ahmed Bouanani et André Zwobada.

Gabrielle Chomentowski (CNRS)

L’Afrique, la jungle et les tambours (1976) de Souleiman El Noor : regards soviétiques sur l’Afrique par la caméra d’un cinéaste soudanais.

À suivre…

Saison 2020/2021

Séance 1

15 octobre 2020

15h-18h

Maison de la recherche Paris 3 – 4 rue des Irlandais 75005

L’auto-exotisation, écho aux spectres des cinémas nationaux ?

Une proposition de dialogue entre La Flor (2018) de Mariano Llinás et Bacurau (2019) de Juliano Dornelles et Kleber Mendonça Filho.

Claire Allouche, doctorante à l’Université Paris 8 (ESTCA).

Bacurau (J.Dornelles et K. Mendonça Filho)

À un an d’intervalle, le film-fleuve polymorphe La Flor (2018) du cinéaste
argentin Mariano Llinás et la fiction dystopique Bacurau (2019) des Brésiliens Juliano Dornelles et Kleber Mendonça Filho ont marqué un tournant dans l’histoire récente des deux cinématographies nationales, en raison de leur reconnaissance internationale mais surtout par leur ambition narrative et formelle, sans équivalent dans le cinéma contemporain.
S’il serait vain d’établir une analyse comparée de ces deux longs métrages
singuliers, ils se retrouvent néanmoins sur un plan qui induit un étonnant
rapprochement. La localité de tournage principale, ancrée dans un imaginaire régional particulier -la province de Buenos Aires pour une vaste partie de La Flor, le mythique sertão dans Bacurau-, devient un pays étranger à travers le regard et l’omniprésence linguistique d’un groupe de personnages « envahisseurs » venus du « premier monde » (les espionnes francophones dans La Flor, le groupe de « joueurs » étatsuniens dans Bacurau).

Bacurau (J.Dornelles et K. Mendonça Filho)


Le mélange des genres cinématographiques à l’œuvre dans ces deux films
devient alors l’occasion d’une coexistence surprenante entre une auto-exotisation des pays de production à travers ce point de vue distancié et la déambulation dans l’histoire du cinéma national de chaque pays, comme un répertoire ouvert à la réappropriation et l’actualisation. De fait, La Flor se termine en cherchant l’origine des premières images, reprenant les codes des premiers films gauchesques muets et Bacurau revendique une filiation avec le cinema novo notamment, à travers une multiplicité de références intégrées dans les problématiques du Brésil contemporain.


A partir d’un montage d’extraits de La Flor et de Bacurau ainsi que d’un retour sur des référents cinématographiques antérieurs, nous analyserons les différentes déclinaisons de la tension causée par les occurrences d’auto-exotisation.

Bacurau (J.Dornelles et K. Mendonça Filho)

Claire Allouche est doctorante à l’Université Paris VIII Vincennes – Saint-Denis sous la direction de Dork Zabunyan et de Thierry Roche depuis 2017. Sa recherche intitulée « Faire lieu : l’ancrage des images dans le cinéma argentin et brésilien contemporains » porte sur l’investissement de lieux restés en marge des cinématographies argentines et brésiliennes. Elle s’est préalablement formée en études cinématographiques au DHTA de l’ENS Ulm, à l’Université Paris 8, et à la UNSAM en Argentine. Elle a également obtenu un master en « Territoires, Espaces et Sociétés » à l’EHESS, avec une dominante anthropologique. Depuis 2017, elle réalise plusieurs séjours de recherche en Argentine et au Brésil. Depuis juin 2020, elle fait partie du comité de rédaction des Cahiers du Cinéma. Elle collabore ponctuellement à d’autres revues, comme Trafic, Débordements, Répliques et CinétrENS.

Séance 2 EXOTIC TRAGEDY

Rencontre avec l’artiste Natacha Lesueur autour de ses œuvres sur Carmen Miranda et les films des mers du Sud

Nous aurons le plaisir d’accueillir l’artiste Natacha Lesueur pour une présentation de son travail filmique et photographique sur Carmen Miranda et la Polynésie. L’occasion de (re)voir ses œuvres en conversation avec des fictions cinématographiques fabriquant des images des mêmes territoires et des mêmes identités : That Night in Rio, I. Cummings (1941), Week-End in Havana, W. Lang (1941), The Gang’s All Here, B. Berkeley (1943), White Shadows in South Seas de W.S. Van Dyke (1928), Tabu de F.W. Murnau (1931)…

Paradis et reines des tropiques nous inviteront à rediscuter, dans la dynamique du champ-contrechamp, de la proposition faite par Carlos Alfonso López Lizarazo1 d’un néo-exotisme.

    

Série Carmen Miranda :

« Depuis 2009, l’artiste a engagé une collaboration avec un même modèle, une femme d’une quarantaine d’années, qui s’est trouvée enceinte au moment du travail. Avec elle, Natacha Lesueur a entrepris de revisiter la figure de Carmen Miranda, une actrice d’origine brésilienne dont Hollywood fit, dans les années 1940, le “prototype” d’un exotisme caricatural, à la mesure des desseins expansionnistes américains qui passaient toujours par la normalisation (au sens de “mise en normes”) de l’autre (en l’espèce, la femme sud-américaine, de couleur). »

(Emmanuel Latreille à propos de l’exposition Ne me touche pasau FRAC Languedoc Roussillon, 2012)

Travail in situ en Polynésie :

« Le lieu exotique est un “lieu-image” affirme Claude Raffestin et mon regard était conditionné. L’expérience de ce sentiment de spectacle “déjà vu” a stimulé mon intérêt, ma curiosité pour les cultures océaniennes. Je me suis plongée dans les récits d’explorateurs, dans la littérature (le mariage de Loti, les écrits de Victor Segalen), les premiers films des mers du Sud, les expositions coloniales. J’ai été frappée par la récurrence, la permanence, des descriptions et des représentations associées aux îles polynésiennes dans les représentations occidentales : vahinés dénudées, scènes “typiques” de la vie quotidienne, végétation tropicale luxuriante. Ces motifs ont traversé les âges et l’histoire de l’iconographie occidentale de la Polynésie. La réalité tahitienne elle-même s’est transformée dans certains de ses aspects pour mieux ressembler aux images… »

(Natacha Lesueur dans le catalogue de l’exposition Ombres blanches au Musée Chagall, 2014)

Jeudi 12 mars, de 14h à 17h

Maison de la Recherche, salle Claude Simon

4, rue des Irlandais, 75005 Paris

 Métro Place Monge, Cardinal Lemoine ou RER Luxembourg

Natacha Lesueur en conversation avec Térésa Faucon

Atelier Exotismes saison 2

REPRISE DE L’ATELIER  !

Barbara Mittler

The Sounds Amidst the Fury.

La Révolution culturelle chinoise dans les films de la génération 1968

De Jean-Luc Godard à Joris Ivens, de Chris Marker à Alain Resnais et Michelangelo Antonioni, nombreux sont les cinéastes qui ont tenté de capturer ce qu’ils considéraient comme l’esprit de la Révolution culturelle – avec une vision idéaliste qui avait beaucoup plus à voir avec les situations européennes que ce qui se passait en Chine. Depuis la fin de la Révolution culturelle, les cinéastes chinois aussi, de Xie Jin à Zhuang Nuanxin, de Chen Kaige à Jiang Wen, de Zhang Yimou à Peng Tao, ont commencé à réfléchir à cette période. Dans quelle mesure les sons de la Révolution culturelle chinoise qui apparaissent dans ces films peuvent-ils être considérés comme des marqueurs exotiques, plutôt que comme représentatifs des paysages sonores de la Révolution culturelle chinoise ? Qu’est-ce que cela nous apprend sur l’expérience historique qu’a été la Révolution culturelle dans un contexte global ?

Cet atelier se penchera sur un champ contrechamp sonore, où l’on comparera les « sons au milieu de la fureur » tels qu’ils apparaissent dans les films de ceux qui étaient des spectateurs fascinés et de ceux qui ont vécu la Révolution culturelle, avec les sons réels de cet événement.

Barbara Mittler est titulaire de la chaire d’études chinoises de l’Institut d’études chinoises de l’Université de Heidelberg et directrice du Center for Transcultural Studies (CATS) de Heidelberg. Ses recherches portent sur la production culturelle dans le monde chinois et couvrent un large éventail de sujets allant de la musique aux médias imprimés (visuels et historiques) de la Chine de la longue modernité. Parmi ses publications: Dangerous Tunes: The Politics of Chinese Music in Hong Kong, Taiwan and the People’s Republic of China since 1949 (Harrassowitz 1997), A Newspaper for China? Power, Identity and Change in China’s News-Media, 1872-1912 (Harvard University Press, 2004), A Continuous Revolution: Making Sense of Cultural Revolution Culture (Harvard University Press, 2012), Chronologics: Why China Did Not Have a Renaissance and Why That Matters – an Interdisciplinary Dialogue (avec Thomas Maissen, De Gruyter 2018). Elle termine actuellement les projets suivants: Portrait(s) of a Trope: Making New Women and New Men in Chinese Women’s Magazines, 1898-2008, Embody the Nation-Representations of Gandhi and Mao (en collaboration avec l’historienne Sumathi Ramaswamy (Duke), et “And there is only one Lang Lang…”-Chinese Musicians on the Global Stage: a Transcultural Perspective.

 

 

✨COLLOQUE INTERNATIONAL✨

13 et 14 novembre 2019

🎧La bande originale du colloque🎧                                                       Création, Emmanuel Soland (designer sonore) 

 

Mercredi 13 novembre 2019

EHESS, Amphithéâtre Furet 105 bd Raspail, 75006 Paris

8h30 Accueil
9h Introduction Romain Huret (EHESS) et Guillaume Soulez (Univ. Paris 3)

9h30-10h15 KEYNOTE Kristine Harris (State Univ. of New York)
« Trespassing, transforming, translating »
10h15-10h45 Discussion

LES SONS DU NOUVEAU MONDE – THE SOUNDS OF THE NEW WORLD

Modératrice/Discutant : Evgenia Giannouri (Univ. Paris 3)

11h-11h30 Jean-Sébastien Houle (Univ. Montréal)
« Entendre la jungle et comprendre l’espace sauvage : l’exotisme sonore dans Tarzan the Ape Man (1932) de W.S. Van Dyke »
11h30-12h Aurélie Journée-Duez (EHESS)
« Les sons de la découverte. Représentations synesthésiques des ‘‘premiers contacts’’ dans The New World (2005) et The Thin Red Line (1998), Terrence Malick »
12h-12h30 Discussion

ÉCOUTER UN AUTRE MONDE – LISTENING TO ANOTHER WORLD

Modératrice/Discutant : Marion Polirsztok (Univ. Rennes 2)

14h-14h30 Juan Carlos Poveda (Univ. Alberto Hurtado)
« Sing to your Señorita: Music in Latin American representations in Hollywood films during the « Good Neighbor Policy » period (1933-1945) »
14h30-15h Johannes Sturm (Univ. Heidelberg & Freiburg)
« The exotic dimension of reality – The movie Alarm in Peking »
15h-15h30 Discussion

LA MÉLODIE DES ACCENTS – THE SOUND OF ACCENTS

Modérateur/Discutant : Karine Le Bail (CRAL, CNRS/EHESS)

15h45-16h15 Solène Monnier (Univ. Paris 1)                                                                 «La voix et l’accent de Joséphine Baker dans le cinéma parlant des années 1930 ou l’exotisme dualiste»                                                                                    16h15-16h45 Maguelone Loublier (Univ. Paris 8 – Univ. du Mans)                    «Du texte arabe à la voix méditerranéenne de Fernandel : Ali Baba et les quarante voleurs (Jacques Becker, 1954) »                                                          16h45-17h15 Discussion

ÉCOUTER VOIR – LISTEN UP

Conversation entre Marylène Negro (plasticienne, réalisatrice) et Emmanuel Soland (designer sonore) autour de deux films de l’artiste
17h30 Pass (Marylène Negro, 2018, 23’15)
19h Ganga (Marylène Negro, 2017, 33’)

 

Jeudi 14 novembre 2019

Maison de la recherche – Univ. Sorbonne Nouvelle-Paris 3 Salle Athéna – 4 rue des Irlandais, 75005 Paris

9h Accueil
PARTITION/RÉVOLUTIONS – PARTITION/REVOLUTION

Modérateur/Discutant : Guillaume Soulez (Univ. Paris 3) et Anne Kerlan (CNRS)

9h15-9h45 Corrado Neri (Univ. Lyon 3)
« Quand l’exotisme est le chemin délaissé : l’avènement de la musique pop sinophone dans le cinéma historique chinois »
9h45-10h15 Eirini-Maria Fountedaki (SAVVY Contemporary)
« Towards new modes of aural resistance: dis-othering through sound in the Films of the L.A. Rebellion and beyond »
10h15-10h45 Barbara Mittler (Univ. Heidelberg)
« The sounds amidst the fury — China’s Cultural Revolution in films of global 68 movements »                                                                                                    10h45-11h15 Discussion

11h30-12h15 KEYNOTE Michael Raine (Western University)
« Ersatz exoticism:  the wartime vocal performances of Ri Koran/Li Xianglan »
12h15-12h45 Discussion

ENTRE L’ICI ET L’AILLEURS – HERE, SOMEWHERE ELSE, AND IN BETWEEN

Modérateur/Discutant : Esteban Buch (CRAL, CNRS/EHESS)

14h-14h30 Kyoko Omori (Hamilton College)
« Noise to music: Soundings in The Neighbor’s Wife and Mine (1931) »
14h30-15h Sophie Bisping (Univ. Heidelberg)
« Songs of difference and resemblance: Japanese representations of Southeast Asia then and now »                                                                                       15h-15h30 Paola Palma (Thalim)
« L’exotisme entre propagande et melodrama : la dimension sonore du cinéma colonial fasciste »                                                                                             15h30-16h Discussion

TINTEMENTS/LANGUES/SILENCES : LES TRADUCTIONS DE L’AUTRE – TINKLING/SPEAKING/SILENCING: TRANSLATING THE OTHER

Modération/discutant : Martin Goutte (Univ. Paris 3)

16h15-16h45 Claire Allouche (Univ. Paris 8)
« La Flor (2018) de Mariano Llinás : d’où bruisse l’Argentine ? »              16h45-17h15 : Amandine D’Azevedo et Térésa Faucon (Univ. Paris 3) « “Les bracelets de la Reine de la pluie” : femmes indiennes sonores »                 17h15-17h45 Discussion
17h45 BRUISSEMENT DES PAPILLES. PROJECTION SURPRISE

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Séance 7 Les lieux de l’exotisme II

Séance 7   LES LIEUX DE L’EXOTISME II                                               

Jeudi 9 mai 2019 de 14h à 17h,

Maison de la recherche (4, rue des Irlandais 75005, salle Claude Simon)

Dario Marchiori (Lyon 2) : Aux Pôles de l’exotisme? Formes et enjeux de la représentation cinématographique des Pôles

Les régions polaires semblent s’opposer à la plupart des récits et des représentations exotiques, qui insistent sur le paradigme de l’abondance et de l’accumulation, voire de l’appropriation, d’une multitude légendaire d’êtres et d’objets. Y aurait-il un « exotisme de l’invivable », sorte d’anti-utopie qui permet de cerner les limites de l’exotisme et de le mettre en rapport à d’autres dimensions de l’imagination, comme le fantastique et surtout la science-fiction? A contrario, que signifie la restitution d’une existence humaine à cet espace que l’on fantasme comme étant vide et inhabitable, selon le modèle fourni par Flaherty dans son célèbre film Nanouk l’esquimau (1922)? Finalement, l’intérêt pour les Pôles permet-il d’établir des passerelles entre différentes formes d’exotisme propres à ce qu’on appelle communément l’Orient et l’Occident? De The Great White Silence (H. Ponting, 1910-13/1924) à Servus Bayern (H. Achternbusch, 1978), cette intervention permettra d’étudier les formes et les enjeux de l’exotisme polaire au cinéma, y compris quand les réalisateurs parodient ou critiquent de l’intérieur l’exotisme.

Séance 6

Les lieux de l’exotisme I

JEUDI 11 AVRIL, de 14h30 à 17h30

Maison de la Recherche (4, rue des Irlandais, 75005 / salle Claude Simon)

  • Marie Pruvost-Delaspre (MCF, Paris 8), L’Amérique dans Goldorak et l’animation japonaise
  • Amandine D’Azevedo (Paris 3), Retour sur l’exotisme intérieur : l’Inde
  • Térésa Faucon (MCF HDR, Paris 3), Le chalet suisse (du Grand Tour au Grand Ouest en passant par l’Himalaya)

 

Séance précédée de la projection de La Tragédie de la jungle (André-Paul Antoine, 1937) à 12h, à la Cinémathèque universitaire de Paris 3 (métro Censier Daubenton), entrée à 2€.

 

Appel à communication

Colloque international

Les sons de l’exotisme au cinéma (bruits, musiques, paroles)

Colloque international
LES SONS DE L’EXOTISME AU CINEMA
(BRUITS, MUSIQUES, PAROLES)
Mercredi 13 et jeudi 14 novembre 2019
IRCAV-Université Sorbonne Nouvelle
Centre d’études sur la Chine moderne et contemporaine
EHESS-CNRS

APPEL A COMMUNICATIONS

Quel bruit fait l’exotisme dans les films ? Comment double-t-on un accent ou traduit-on une spécificité langagière et culturelle ? Comment le cinéma fait-il parler l’Autre ? Comment le cinéma recycle-t-il et invente-t-il des « clichés sonores » de l’exotisme, dans ses bruits, ses tons, ses rythmes ? Et à l’inverse, comment impose-t-il le silence à des corps, des objets, des lieux ?
Nous avons exploré pendant un an, sous forme d’atelier, divers allers-retours de l’exotisme dans le cinéma de fiction, de la Chine aux États-Unis en passant par l’Iran, l’Inde, Taïwan ou la Russie soviétique – ce que nous nommons le champ-contrechamp entre regardant et regardé, entre un
« nous » et les « autres ».
Ce colloque international sera l’occasion d’étudier un autre aspect de ces interactions de l’exotisme entre écoutant et écouté. L’exotisme n’est pas qu’un spectacle pour les yeux, il est également un spectacle pour les oreilles. Mais écoutons-nous vraiment ? Qu’entendons-nous au juste, sinon peut être ce que nous voulons entendre de l’autre, ou ce que nous croyons être « le bruit de l’autre » ?
Ce colloque s’intéressera à toutes les aires géographiques concernées par la production, la réception et la circulation des films : la Chine et l’Inde par exemple, lorsqu’elles sont regardées, représentées, écoutées et diffusées hors du territoire (mais pourquoi pas aussi à l’intérieur même du pays, dans un exotisme régional) et également lorsqu’elles emploient la musique occidentale (par exemple le jazz, associé à l’urbanité). Il couvrira toute l’histoire du cinéma, y compris le cinéma muet qui n’est pas
en reste en matière d’accompagnement musical exotique dans une véritable recherche d’atmosphère. Le cinéma se conçoit alors comme média parmi d’autres médias et d’autres industries du son : industrie de l’enregistrement musical, radio, monde du spectacle (théâtre, opéra, comédie musicale), etc. Leurs histoires sont indissociables de celle du cinéma et nous verrons ainsi comment circule l’exotisme d’art en art. La réflexion est ainsi ouverte aux chercheurs d’autres disciplines
(musicologie, anthropologie, histoire, histoire de l’art…)
Ce colloque sera également l’occasion d’étudier des cas précis de formes sonores, vocales, musicales et rythmiques propres au cinéma producteur et récepteur d’exotismes : accompagnement musical, composition de musique de film ou recyclage et « pot pourri », adaptation de mélodies et d’airs, inserts sonores, bruitages et sound designing, cris d’animaux, doublage des voix ou sous-titrage des dialogues, traduction des titres, intertitres et boniments, etc.

Les propositions de 2 000 signes environ, accompagnées d’une rapide biographie, sont à envoyer pour le 10 avril 2019 à l’adresse suivante : exotisme18@gmail.com

Réponses du comité : mi-mai 2019

Comités scientifique et d’organisation : Amandine D’Azevedo, Térésa Faucon, Marion Polirsztok (Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3, IRCAV), Anne Kerlan (CNRS-EHESS, UMR Chine Corée Japon).

Contact : exotisme18@gmail.com

 

 

International symposium Paris (France)
THE SOUNDS OF EXOTICISM IN CINEMA
(SOUNDS, MUSIC, SPEECHES)
13th and 14th November 2019
IRCAV-Université Sorbonne Nouvelle
Centre d’études sur la Chine moderne et contemporaine
EHESS-CNRS


CALL FOR PAPERS


What sound does exoticism make in movies? How do you dub an accent or translate a linguistic and cultural specificity? How does cinema recycle and imagine « sound clichés » of exoticism, in its noises, tones and rhythms?
For a year, we explored, in the form of a workshop, various back and forth journeys from exoticism
in fiction film, from China to the United States, Iran, India, Taiwan, Japan or Soviet Russia – what we call the shot/reverse shot between the ones looking and those ones being watched, between “us” and “the others”.
This international symposium will be an opportunity to study another aspect of these interactions of exoticism between the ones listening and the ones being listened at. Exoticism is not only a spectacle for the eyes, it is also a spectacle for the ears. But are we really listening? What exactly do
we hear, if not perhaps what we want to hear from the other, or what we think is « the noise of the other »?
This conference will focus on every geographical area concerned with production, reception and circulation of films: China, Japan and India for example, when they are watched, represented, listened to and broadcasted outside the territory (but why not also within the country itself, in an
exotic interior) and also when they use Western music (for example jazz, associated with urbanity).
It will cover the entire history of cinema, including silent cinema, which is not to be outdone in terms of exotic musical accompaniment in a search for atmosphere. Cinema is then conceived as a medium among other media and other sound industries: music recording industry, radio,
entertainment (theatre, opera, musical), etc. Their histories are inseparable from that of cinema and we will see how exoticism circulates from art to art. The reflection is thus open to researchers from other disciplines (musicology, anthropology, history, art history…).
This conference will also be an opportunity to study specific cases of sound, musical, verbal and rhythmic forms specific to cinema producing or receiving exoticism: sound inserts, musical accompaniment, film music composition or recycling and « potpourri », adaptation of melodies and
tunes, sound effects and sound designing, animal cries, voice dubbing or dialogue subtitling, translation of titles, etc.

 

Abstracts of 2 000 signs, plus a biographical note, should be sent by 10th April 2019 to exotisme18@gmail.com.

Acceptance signification: 15th May 2019.

Scientific committee & Organization: Amandine D’Azevedo, Térésa Faucon, Marion Polirsztok (Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3 IRCAV), Anne Kerlan (CNRS-EHESS, UMR Chine Corée Japon).

To join us: exotisme18@gmail.com